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28 jul. 2010

ExPERIENCIA VIRTUAL: Cuatro obras maestras de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza para aprender a pintar paso a paso

El arte, la pintura y las técnicas con las que los grandes artistas han trabajado han ido evolucionando a lo largo de la historia. Desde la minuciosidad de los temples medievales o los contrastes entre luces y sombras de las escenas cotidianas al óleo del barroco… o, por qué no, las posibilidades que abre un dispositivo portátil como la Nintendo DS cuando se convierte gracias a la herramienta Art Academy en un lienzo.

Un pequeño recorrido por la colección del Museo Thyssen-Bornemisza ilustra a la perfección la evolución en la manera de pintar de los grandes artistas. Echemos un rápido vistazo a los aspectos técnicos de cuatro obras: Cristo y la Samaritana de Duccio (siglo XIV), Santa Catalina de Alejandría de Caravaggio, “Les Vessenots” en Auvers de Vincent van Gogh y Naturaleza muerta de Morandi. En todos, la técnica está íntimamente ligada a las necesidades artísticas del autor… y todas forman parte del paso a paso del nuevo software exclusivo de la portátil de Nintendo: dibujo, volumen, color...



CRISTO Y LA SAMARITANA (1310-1311)
Duccio di Buoninsegna

La técnica minuciosa y la preocupación por el espacio
Ésta es una obra rupturista con el Medievo, que refleja la minuciosidad en la técnica y la creciente preocupación por la representación del espacio del inminente Renacimiento. Creada con temple al huevo, esta pequeña tabla representa a Cristo sentado en el brocal del pozo de Jacob. Hacia allí se dirige la samaritana portando un cántaro en la cabeza, mientras, un grupo de discípulos observa la escena enmarcados por un fondo arquitectónico en un intento de dar profundidad espacial a la pintura. ¿Qué consigue Duccio con su técnica? Mayor naturalismo y una minuciosidad en el dibujo y la modulación de los tonos y la combinación de los colores que refuerzan el carácter narrativo. Sus figuras, realizadas con una contraposición delicada de luces y sombras, brillos y tonos saturados, nos introducen en unas variaciones cromáticas que apuntan a una nueva manera de pintar distinta a la de la Edad Media.


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SANTA CATALINA DE ALEJANDRÍA (1597)
Caravaggio

La importancia de las luces y las sombras
Éste óleo del Barroco recoge el interés de los artistas de la época por los contrastes entre luces y sombras que acentúan el volumen de los objetos que nos acercan a la vida cotidiana. Caravaggio nos muestra una Santa Catalina acompañada de todos los atributos que aluden a su martirio: la rueda con los cuchillos, la espada con la que fue decapitada y la palma. La luz ilumina de forma dramática la escena creando unos claroscuros típicos del pintor que tuvieron una enorme repercusión en toda Europa. La obra nos muestra un colorido y unas sombras densas que aumentan el valor expresivo de la gama cromática, espacialmente en los ropajes, un conjunto de violetas y azules yuxtapuestos. El juego de líneas oblicuas que se establece entre los objetos que aluden a su tormento, la inclinación de su cuerpo, la dirección de su mirada y el haz de luz que la ilumina crean un conjunto de gran eficacia pictórica al que sin duda contribuye el firmísimo modelado del claroscuro.


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"LES VESSENOTS" EN AUVERS (1890)
Vincent Van Gogh

La expresividad del color
Van Gogh rompe con este óleo con los preceptos naturalistas al hacer un uso expresivo y no representativo del color. Durante sus últimas semanas de vida Van Gogh pintó algunos retratos y numerosos paisajes entre los que se encuentra éste de "Les Vessenots" en la zona de Auvers. Se trata de un ejemplo característico de su lenguaje pictórico en el que combina unas composiciones esquematizadas, una paleta reducida (en la que destacan luminosos verdes y amarillos) y unas pinceladas agitadas y nerviosas, que siguen un ritmo ondulante y repetitivo. En un paisaje de horizonte elevado, se agrupan una serie de viejas casas de la campiña, algunas con tejados de paja, junto a unos extensos campos de trigo y algunos ondulantes árboles. Aunque Van Gogh siempre pintaba frente al motivo, el cuadro nos muestra una visión muy personal del paisaje.


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NATURALEZA MUERTA (1948-1949 )
Giorgio Morandi

La estilización de la forma
En la que la síntesis de las formas y el color apunta a la posterior huída del realismo que se produce en muchos movimientos artísticos del siglo XX. Esta Naturaleza muerta se sitúa como obra ampliamente representativa de la madurez artística de Morandi. En esta composición, compuesta por siete objetos, destaca la linealidad de la composición en la que el dibujo que sirve para delimitar las formas, sirve también para dar unidad a todo el grupo de objetos. En la obra se puede apreciar la gama de colores, todos comprendidos entre los matices del beige-miel y las profundas resonancias del gris que son colores predominantes en la obra de Morandi. Se trata de una obra en la que el estatismo y el equilibrio compositivo contrastan con unos bordes de los objetos difuminados que parecen temblar al ser iluminadas por una luz contundente.

Publicado por www.experpento.es

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